La brújula del canto os desea Feliz Navidad

Quiero compartir con vosotros un video, Ella Fitzgerald nos canta "Have yourself a merry little Christmas". 

Feliz Navidad y que el 2012 traiga mucha y buena música. 


Pd: Releed las entradas de la higiene y no cometais excesos vocales!!!







El minifundismo musical

Estos días reflexionaba a cerca de la cantidad de iniciativas que se ponen en marcha por parte de personas capaces, competentes y con ganas de trabajar y las dificultades que tienen para crecer por una falta de visión global. Actuamos localmente pero no pensamos globalmente y eso parece ser el talón de Aquiles de los artistas.

Necesitamos como colectivo crecer y reforzar alianzas, cooperar y trabajar en equipo para aunar esfuerzos y ¿por qué no lo hacemos? Mi opinión es que pecamos de una falta de visión, de amplitud de miras. Es necesario empezar a pensar en que si a muchos de nosotros nos va bien a todos nos irá mejor, más fuerza tendremos como colectivo y más consideración se tendrá como sector económico que da trabajo a muchas familias y enriquece a la sociedad.

Creo que es necesaria una reflexión a cerca de la manera de hacer cultura en este país y ello implica que pensemos por qué nos va como nos va, donde está la raíz de los problemas. 

Es muy fácil echar la culpa a los políticos, a que la gente no valora el talento, pero no creo, sinceramente, que esta sea única y exclusivamente la causa.  ¿Qué hacemos nosotros para dignificar la profesión? ¿Qué iniciativas emprendemos como colectivo? ¿Quienes son nuestros interlocutores ante las administraciones? ¿Por qué somos un sector olvidado por los sindicatos mayoritarios?

No sabemos comunicar el mensaje de la importancia de la cultura, del arte en la vida de las personas y como manifestación de la identidad de una sociedad. No sabemos plantear los problemas en las instituciones. No nos implicamos en la lucha por los derechos del colectivo. No colaboramos con otros profesionales si no es estrictamente necesario. Muchos artistas viven encerrados en una especie de "cárcel mental" de pensamientos limitantes, de envidias, de competitividad insana, de estrechez de miras, de conformarse con poco...

Pensemos de qué manera podemos empezar a romper esa "cárcel mental" y empezar a manifestar aquello que nos hace grandes como personas y como artistas.

Lo importante es cantar bien

Cuando un cantante empieza a tener una cierta competencia con su voz empieza a querer cantar cosas cada vez más difíciles y acaba por pensar que es mejor cantante por cantar una determinada obra sin pararse a reflexionar y a escuchar, en muchos casos, cómo lo está haciendo.

Lo que define a un buen cantante por encima de todo es el cantar bien el repertorio que elija. No es la cantidad sino la calidad de la interpretación lo que a la hora de la verdad cuenta. Uno debe conocer muy bien su voz y saber qué puede y qué no puede cantar. En la entrada Criterios para seleccionar canciones ya comentaba qué aspectos había que tener en cuenta a la hora de elegir. Como me decía una profesora que tuve "hay que llevar un zapato en cada pie para caminar" y ese zapato se tiene que ajustar a nuestras medidas y no al contrario.

La posibilidad de cantar obras de mayor dificultad la da una buena secuenciación del repertorio que asiente la técnica y fomente el control y la competencia del cantante con su voz y es tarea del docente indicar las obras apropiadas para cada momento. Por ello, no hay que tener prisa, no se debe atosigar al alumno y sobre todo se debe tener una visión de futuro con el repertorio y saber que hay obras que llegarán a nuestro repertorio con el tiempo.

Abordar repertorio que supera nuestras posibilidades no hace más que fomentar la inseguridad, la sensación de incompetencia y por ello, si tenemos estas percepciones debemos pararnos a reflexionar si estamos en el buen camino. Cantar debe provocar sensaciones de plenitud y alegría y no sufrimiento y amargura!!!

El valor económico de la cultura

Es de sobra sabido por todos que uno de los pilares económicos de España era la construcción, pero es el momento de darse cuenta de que eso se ha acabado y no va a volver. Suponían el 8% del PIB (Producto Interior Bruto, es decir, la riqueza del país) y de repente nos encontramos con que somos un 8% más pobres y nos tenemos que ajustar el cinturón para seguir hacia delante. 

Creo que es importante reflexionar a cerca de aquello que realmente es importante en un país y qué tipo de actividades pueden ser generadoras de riqueza a medio y largo plazo. España es un país inmensamente rico en patrimonio cultural: arquitectura y monumentos, música, arte, cine, literatura, gastronomía, etc. y creo que todo lo que sea fomentarla y asociarla a otro tipo de actividades económicas como pueden ser el turismo, la hostelería, el transporte, la publicidad, las comunicaciones, etc. puede suponer un gran valor añadido. 

Creo que nos equivocamos si decimos que en época de crisis se ha de prescindir de la cultura. La cultura no es un lujo, es una necesidad de expresión de los pueblos.  Las actividades educativas no sólo forman a los ciudadanos y les proporcionan ocio, además, pueden ser un importante atractivo para una localidad si consigue realizar un evento, un festival de música, un ciclo de cine, etc. para impulsar su progreso y para ofrecer más oportunidades a sus habitantes. 

Es responsabilidad de todos crear esos ocho puntos de riqueza que se fueron y no volverán y explotar las posibilidades de la cultura en todos sus ámbitos puede ser una buena opción.

Luciana Serra, un ejemplo de belcanto





En este video Luciana Serra describe parte de una experiencia docente en la ópera de Bucarest. 

Estudiar con Luciana es aprender a través de ejemplos y de su propia experiencia aspectos esenciales en la formación de un cantante.

¿Colegio oficial de músicos?

Últimamente he comentado con algunos colegas de profesión la necesidad de que los músicos estemos unidos para defender los intereses de la profesión tanto en el ámbito profesional como educativo. Nadie se extraña de que exista un colegio oficial de médicos, de abogados, de arquitectos, de ingenieros, etc. En cambio cuando se plantea entre los propios músicos esa idea parece del todo ajena y muchos te miran con cara de alucinados. Es cierto que para ejercer la profesión no hace falta estar colegiado pero sí que es cierto que muchos problemas que tenemos hoy en día vienen de no tener un estamento que apoye a los músicos, defienda sus intereses ante la sociedad y ante la administración y tenga como fin velar por la dignificación de la profesión en todos los ámbitos: profesional, educativo, legal, etc.

Y pensando en las posibles causas del problema me vienen a la mente varias ideas:

1. Los músicos somos educados de una manera individualista, separatista y muy poco colaborativa y eso configura una mentalidad competitiva que impide el desarrollo de la identidad como colectivo. Creo que se ha de producir un debate desde el respeto y atender a diferentes posturas, opiniones y opciones. Es fundamental que los músicos de diferentes tendencias y ámbitos veamos que estamos todos en el mismo barco.

2. No hay cultura del debate y muy pocos espacios on y off-line permiten un intercambio de ideas. Cuando uno estudia: va a clase, estudia muchas horas, va de aquí para allá y no tiene tiempo ni ganas para intercambiar opiniones. Cuando uno aterriza en el mundo profesional: trabaja, no para y sigue yendo de aquí para allá. Sólo desde desde una posición consciente puede que aproveche los espacios y que intercambie ideas con otros profesionales.  Esto es algo que desde hace un tiempo va cambiando y dadas las herramientas tecnológicas de las que disponemos cambiará sin remedio. Un ejemplo son las iniciativas de Jose Luis Miralles que pretende establecer un foro de información y de opinión sobre los temas relacionados con los conservatorios podéis visitarlo pinchando aquí:  Debate Oysiao y Renovatorio

3. El desconocimiento de los propios músicos de sus derechos y su falta de espíritu como colectivo es lo que más daño nos hace. Hay personas trabajando por y para los músicos como por ejemplo la Federación Internacional de Músicos a la que está asociada la Asociación de Músicos Profesionales de España  AMPE-Músicos  que tienen como objetivo principal dignificar la profesión y luchar por los intereses del colectivo. Son interlocutores válidos con las administraciones. Aún así la realidad es que la mayoría de los músicos desconoce su existencia y de sus posibilidades.

Me gustaría que este post nos hiciera reflexionar sobre la necesidad de agruparse,  de hablar claro, de unirse, de compartir, de debatir y de aportar todo aquello que cada cual piense que es necesario para el desarrollo del sector, del músico y de la profesión. ¿Por qué no un colegio oficial de músicos que encarne ese espíritu?

Acróstico LA BRÚJULA DEL CANTO

Palabras que inspiran para comenzar la semana

L ibertad
A rmonía

B elleza
R ealidad
U niversal
J ovialidad
U nica
L ogro
A utenticidad

D inamismo
E nergia
L uz

C reatividad
A mor
N ovedad
T alento
O portunidades

Dime cómo vocalizas y te diré cómo cantas

Por Isabel Villagar, Profesora de Canto online

Es de sobra sabido que el trabajo vocal no se basa únicamente en cantar canciones, es necesario preparar la voz antes para calentar la musculatura antes de comenzar a cantar.

Primero a través de ejercicios de respiración y después a través de ejercicios de vocalización que trabajen toda la tesitura de la voz con el objetivo de que ésta adquiera un timbre homogéneo y para descubrir y asentar las sensaciones fonatorias que se corresponden con una emisión correcta.

Mediante los ejercicios de vocalización se toma contacto con la realidad de la propia voz, se descubren los espacios de resonancia, se controla la emisión libre y relajada, se experimentan y se fijan sensaciones fonatorias correctas y se diferencian de las que no se corresponden con una emisión libre, se aprende a emitir las vocales en la posición adecuada, se fortalece la musculatura, se coordina el equilibrio aire-sonido, etc.

Es esencial que un profesor de canto supervise su ejecución, sobre todo en los comienzos del aprendizaje vocal para que no se fijen muscularmente sensaciones que no correspondan con una emisión eficiente ya que establecer un patrón muscular incorrecto dificultará el aprendizaje y lo ralentizará.

La secuenciación de los ejercicios de vocalización está relacionada con la madurez vocal del cantante. Al principio se trabajan ejercicios sencillos con intervalos mayores o justos en legatto y poco a poco se van haciendo ejercicios que comprenden otras dificultades (picado, staccatto, mezza di voce, etc). 

Secuenciar los ejercicios de vocalización y adecuarlos a la vocalidad de cada persona es todo un arte pero como premisas básicas se recomiendan:

- Realizar ejercicios con boca cerrada.

- Emitir las cinco vocales sobre una sola nota de manera que no cambien las cualidades esenciales del sonido (altura, timbre e intensidad).

- Realizar ejercicios con intervalos pequeños (2ª, 3ª o 4ª).

- Realizar ejercicios con arpegios (8ª, 10ª).

- Realizar escalas.

Cuando se ejercita la voz debe respetarse siempre la comodidad, es decir, los sonidos se descubren de manera progresiva y sin forzar la musculatura de manera que nunca se deben percibir sensaciones de picor en la garganta o disfonía, o cansancio vocal tras su realización. Estos ejercicios constituyen un laboratorio de sonidos en el que se experimenta y por lo tanto requiere por un lado método y por otro lado apertura y flexibilidad ante los descubrimientos que se producen.

© Isabel Villagar, Profesora de Canto online

Vivo cantando: coro en las enseñanzas musicales

Los profesores de música nos encontramos frecuentemente ante el reto de formar vocalmente a los niños. En mi caso no fue complicado porque soy cantante y la técnica vocal es una de mis pasiones pero sé que muchos docentes no han profundizado tanto en el tema y pensé que mi experiencia podía aportar recursos e ideas para formar al coro musical y vocalmente.

Sobre la base de que los alumnos imitan todo lo que hacemos, he de remarcar que el coro mejorará en la medida en la que el docente mejore sus competencias vocales. Dicho esto, es importante ser constante y estructurar bien las sesiones de las que disponemos y no sobrecargar vocalmente a los alumnos. La elección de las canciones es clave y debe ser un trabajo meticuloso y debe adecuarse siempre al nivel del grupo.

Mi propuesta metodológica está basada en el método Kodály de aprendizaje musical:  la lengua materna es fundamental para enseñar a cantar, el folkore es una gran herramienta de aprendizaje sobre todo en las primeras etapas, las dificultades interválicas y rítmicas se han de presentar de manera progresiva, etc. 

Recientemente he publicado en versión papel y electrónica el libro "Vivo cantando: coro en las enseñanzas musicales" en el que explico la propuesta metodológica comprobada a través de una invetstigación en la acción.  Podeis echar un vistazo a las primeras páginas y adquirir el libro en este link: 


De la mentalidad de escasez a la mentalidad de abundancia

La mente del músico se va configurando desde que comienza a estudiar siendo un niño, en mi opinión,  de una manera un tanto perversa.

El niño tiene que hacer una prueba de acceso para iniciar sus estudios en un conservatorio. Es una prueba de aptitud musical pero la limitación de plazas la convierte en lel primer embudo.  Tras esa prueba todos aquellos que quieran estudiar música, lo harán porque sus padres tienen recursos para pagar un centro privado.
Tras cuatro años cursando las Enseñanzas Elementales tienen que superar su "primera oposición" ¡CON 12 AÑOS! en la que sus compañeros de clase se convierten en sus "rivales". Los niños con los que ha compartido experiencias musicales y un día a día, se convierten en "el peor enemigo". Esta mentalidad pervive durante las Enseñanzas Profesionales, en las Enseñanzas Superiores y posteriormente para conseguir una plaza en un Conservatorio, en una Orquesta, en un Coro, para conseguir un papel en una ópera, etc.

Estar en el mundo de la música no necesariamente implica que todos deban hacer una carrera internacional. Hay mucho talento que se puede aportar al mundo de la música desde diferentes ámbitos (interpretación, docencia, composición, contrucción de instrumentos, gestión cultural, investigación, medios de comunicación, etc) porque considero que lo más importante es, además del talento, ser persistente y tener una mente flexible.

Encuentro aberrante el código de conducta que se inculca en la educación musical, que convierte la carrera de música en una competición constante que en muchos casos es causa de una infelicidad inmensa. Son pocos valores humanos (generosidad, amistad, lealtad, etc) los que, a la larga, que prevalecen. Por supuesto, no son culpa exclusivamente de los estudiantes ni de los profesores, es el sistema que vicia y hace que todos se encuentren en un círculo malévolo difícil de superar.

Así, nos encontramos que, cuando en el mundo profesional se hace necesario trabajar en equipo, compartir ideas e impresiones, aprender de los demás, expresars una opinión, etc...  la mayoría de los músicos no saben y su código de conducta recela, siempre está la sospecha de si "de verdad me lo está diciendo por bien o para fastidarme"

Cuantas experiencias enriquecedoras nos perdemos, a todos los niveles, por tener el cerebro configurado en una mentalidad de escasez en la que reinan los pensamientos: no hay trabajo, me lo van a quitar, no comparto para que no me copien, mejor no decir lo que hago para que no me tengan envidia, no voy a dar información a mis colegas por si acaso van más deprisa que yo... y así un largo etcétera de pensamientos limitantes que se convierten en un lastre personal y son un foco de insatisfacción.

Sé que pasar de la mentalidad de escasez a la mentalidad de abundancia no es fácil pero quizás  cuando revisemos las creencias que tenemos y viendo los beneficios que puede aportar el cambio de actitud en nuestra propia persona y en el entorno, cada cual, desde su humilde lugar, sepa que está contribuyendo a salir de ese círculo vicioso.

Realmente, lo que pensamos lo podemos cambiar,. La cuenstión está en tomar conciencia ,por nuestra propia salud mental, y adoptar pensamientos del tipo: aprendo de lo bueno de los demás, me alegro de que el esfuerzo sea recompensado, si el otro lo ha conseguido le voy a preguntar cómo lo ha hecho, cada persona tiene cosas valiosas que aportar, compartir y mostrar una actitud abierta es más gratificante que encerrarse en uno mismo, la creatividad se expande cuando se comparte, puedo ayudar a otros, merezco la ayuda de los demás, etc. 

En mundo ofrece infinitas posibilidades, muchas no son fáciles ni accesibles para todos. Es cierto que  hay personas con más o menos suerte. Cada cual ha de recorrer su camino y elegir el precio que quiere pagar.  Recomiendo no obstinarse con un único camino y ser persisitente con lo que uno desee desde muchos ángulos. En ocasiones es conveniente revisar los objetivos y los caminos a recorrer y contrastar nuestros sueños con la realidad para no encontrarnos al cabo de los años con que hemos vivido infelices e insatisfechos. Lo cierto es que quedarse en la mentalidad de escasez solo empequeñece y anula a las personas. La mentalidad de abundancia hace crecer y enriquecer el entorno del que la habita.  Intentemos salir del circulo vicioso y enriquecer el mundo en el que vivimos. 

Sea el mundo como sea, lo importante es cómo quieres verlo y saber que siempre hay muchas opciones que ni te imaginas.


La necesidad de un profesor de canto.

Muchos sois los que seguís este blog y quizás pensais que sólo por tener nociones sobre la respiración, la emisión, la dicción, etc. podréis cantar bien.  Es necesario conocer el marco conceptual en el que  nos movemos pero lamentablemente la realidad es muy diferente porque aquello que la mente comprende en poco tiempo el cuerpo tarda en asimiliarlo. 

Siempre digo que la técnica vocal es un conjunto de sensaciones corporales y sonoras que se han de contrastar y fijar y, para ello se necesita un profesor. Éste debe estar dotado de un oído excelente, que sea capáz de diferenciar un sonido bueno de uno malo y de proporcionar los ejemplos adecuados a través de su propia voz. El alumno podrá así, mediante la guía y la imitación, realizar un trabajo consciente y fijar en su memoria sonora y muscular aquellos sonidos que le permitirán un uso eficiente de su voz. 

La cuestión está en ser consciente del sonido que se emite, fijarlo y repetirlo, si esto sucede así los avances se manifiestan día a día. En cambio, si el sonido que se emite sin control ni supervisión y no se puede repetir de la misma manera, se memorizarán unas referecias sonoras y musculares que pueden ser adecuadas o no y en el segundo caso los problemas aparecerán y será mucho más complicado rehacer una memoria sonora y muscular. Mi consejo: acudir a un profesor desde el principio acelerará el proceso.

Cómo preparar una audición - casting

Cuando el cantante empieza a estar preparado se enfrenta con la cruda realidad profesional que poco tiene que ver con el ambiente de estudio. Y como sucede en cualquier profesión buscar trabajo se convierte en un trabajo mucho más arduo y desalentador.

El cantante ha de estar preparado para recibir nueve NOes antes de recibir el primer SI. Debe conservar la calma y la ilusión por aquello que hace. Habrán buenas y malas audiciones, habrá de las buenas muchas en las que será rechazado por no ajustarse a las demandas de la producción pero es cuestión de estar ahí. Considero primordial aprender de las experiencias y hacer una lectura positiva porque el no ser seleccionado para un trabajo no necesariamente quiere decir que no se esté capacitado para ejercerlo.

Mis recomendaciones son:

- Acudir puntual a la audición, llegar antes para poder reconocer los espacios y poder calentar. No se debe hacer esperar a los organizadores y en el caso de llegar tarde es conveniente avisar.
- Mantener las formas y la buena educación. Saludar a todas las personas que nos encontremos, ya sean de la organización (personal de administración, conserjería, limpieza, etc.) u otras personas que participen en la audición.
- Llevar bien preparadas las obras que se piden y una carpeta con otras obras que se lleven bien preparadas. En ocasiones se pide más de una obra. 
- Llevar copias suficientes (para el pianista y los seleccionadores) bien legibles, pegadas y en buen estado.
- Una audición no es un concierto, se debe ir bien vestido y aseado pero sin pasarse.
- Mostrar una actitud abierta y receptiva, responder ante lo que se pregunta de una manera concreta y NO ESTAR A LA DEFENSIVA Y AUTOJUSTIFICÁNDOSE. Uno debe poder cantar en infinidad de condiciones y es muestra de profesionalidad cantar lo mejor que se puede en cualquier circunstancia.
- Mantener una actitud positiva y respetuosa con los otros cantantes que participan en referencia a los turnos, tiempos de vocalización, etc.
- Mantener una actitud deportiva, unas veces se gana y otras se pierde.


Por otro lado, considero fundamental cultivar una red de contactos profesionales. Porque las primeras oportunidades vendrán de las personas que te conocen y confían en ti por tu seriedad, obviamente no lo harán por tu fama...  

Hoy en día disponemos de infinidad de opciones para cultivar y mantener esa red de contactos (redes sociales, teléfono, correo electrónico, encuentros, etc) pero lo más importante es dejar de pensar en uno mismo e interesarse por los demás, es decir, ir de la mentalidad de escasez del yo a la mentalidad de abundancia del nosotros. Tratar a los demás como te gustaría ser tratado y entre esto incluyo el ser agradecido con aquellas personas que nos ayudan y nos apoyan directa o indirectamente.

¿Creas y vendes? o ¿vendes y luego creas?

Un músico debe ser consciente del valor que aporta con su arte a la sociedad. La música tiene el poder de hacer mejores a las personas y de ofrecer experiencias enriquecedoras tanto al que la hace como al que la escucha. 

Soy de la opinión de que también es responsabilidad del músico saber llegar al público y crear nuevas maneras de ofrecer su talento: nuevos formatos más ricos y estimulantes para el público del siglo XXI, fusión con otras disciplinas, nuevas tecnologías, etc. Tenemos que saber llegar a estos nuevos públicos con imaginación porque no debemos olvidar que sin público no hay nada.

He observado que muchos músicos, sobre todo en el mundo de la clásica, pasan muchas horas preparando conciertos que nunca llegan a hacer o sólo lo hacen una vez. Diría algo más, en muchas ocasiones, tras un esfuerzo titánico, horas de estudio y sacrificio, regalan su trabajo porque les puede la necesidad de tocar o cantar y ver que su trabajo no ha sido en balde, aunque los únicos que asistan sean sus familiares y amigos. Mi opinión es que de esta manera se establece un círculo vicioso (en el que yo misma me he encontrado alguna vez) que mina la autoestima del músico, su creatividad y su talento. Se queda con la sensación de que no ha hecho suficiente, de que la vida es injusta, de que la sociedad no está preparada para apreciar su talento, etc.

Mi opinión es que el cantante y el músico profesional, es conocedor de sus recursos y capacidades y sabe perfectamente valorar  cuanto tiempo necesita para preparar un concierto. El músico profesional se compromete con una actuación si dispone de ese tiempo (medido en horas o días) y generalmente hay tiempo suficiente para prepararlo, de hecho ante un contrato o una actuación se produce un estímulo extra que enriquece el proceso de estudio. Por lo tanto, se pone a trabajar con proyectos en firme y prioriza los compromisos profesionales.

Considero importante que  se emplee parte del tiempo en observar las necesidades de los programadores culturales y proponer actividades que se ajusten a ellas. Por ejemplo si se celebra algún aniversario de un compositor, si se hace un concierto para celebrar algún día en especial (día de la madre, del padre, de la mujer, de la música, Santa Cecilia, etc.), si hay un festival, etc.

Concluyendo, cuando el músico se abre al mundo encuentra maneras de enriquecerlo, cuando el músico se queda encerrado en su mundo se convierte en un incomprendido.

De Música Española

Uno de mis intereses como cantante y pedagoga es la difusión de la música española y esta entrada es para recomendar una nueva publicación de Agustín Manuel Martinez,  gran pianista y pedagogo , especialista en música española (Web de Agustín).

Acaba de publicar un libro, "De Música Española", que se puede adquirir en versión electrónica o en papel en este link: 

De Música Española

En el libro podreis encontrar un ensayo sobre Falla y el flamenco en El Amor Brujo, un poema para poder cantar en tesitura de soprano el Tango de la Suite "España" de Albéniz, un poema incidental para la suite "Sevilla" de Turina, un cuento didáctico sobre el Álbum de Cecilia de Rodrigo y un poema que refleja la esencia del estilo guitarrístico del compositor castellonense Francisco Tárrega.

Este último poema ha sido musicalizado por el propio autor y que será un placer poder compartir con vosotros en mis próximos conciertos.

También me gustaría recomendar las transcripciones que este autor ha realizado sobre las últimas obras de Albéniz y Granados que fueron improvisaciones que grabaron antes de morir.

Las del primero fueron registradas en cilindros de cera y las del segundo en rollo de pianola y acústicamente. Son obras del periodo de madurez de ambos compositores lo cual avala su calidad.

En el caso de Granados es la última obra que podemos interpretar de él ya que fue su último "suspiro musical" podríamos decir, es decir, la improvisó justo antes de que embarcara en el barco Sussex que fuera torpedeado en la primera guerra mundial al regresar del estreno de su ópera Goyescas en Nueva York. Aquí podéis encontrarlas:



¿A que se va a un curso de verano de canto?

Cuando llega el verano se barajan opciones de cursos en los que ampliar la formación, especializarse en alguna materia, conocer a otros profesionales, recibir consejos etc...  Considero importante tanto para el alumno como para su profesor habitual que el alumno se exponga a la opinión de otros docentes y que se relacione con otros cantantes para tener un contacto con la realidad.

Tras mi experiencia en los cursos de verano me he dado cuenta de que el tipo de curso configura el ambiente que se genera, el tipo de trabajo que se desarrolla y el tipo de cursillista que participa.

Existen diferentes formatos de curso:

Los cursos en los que se trabaja de manera continuada con un profesor y se ofrece una muestra del trabajo en un concierto final dan la oportunidad de trabajar pro fundamente varias obras y permiten obtener una opinión realista del lugar donde se está y los pasos que se deben dar en el futuro. Se suele generar un buen ambiente en torno al trabajo y unos vínculos entre los cursillistas positivos. Pueden verse alumnos de diversos niveles.

Las masterclass con profesionales de reconocido prestigio en las que se tiene una o dos oportunidades de ser escuchado.  Deben enfocarse a preguntar cosas concretas y obtener una opinión a cerca de las líneas de trabajo a seguir, el repertorio, el tipo de voz, etc. No suele haber tiempo para profundizar en detalles. Suele haber un buen ambiente porque previamente se hace una selección y los participantes son conscientes de la oportunidad que se les presenta.

Los cursos que finalizan en un concurso en el cual uno o varios cursillistas obtienen una bolsa de estudios, un concierto, etc. atraen a alumnos que van a lucir lo que ya saben, a conocer a las personas que les pueden abrir las puertas al mundo profesional o a relacionarse. Mi experiencia es que se genera un ambiente poco propicio para el aprendizaje y muy propicio para la competición. Generalmente atraen a cantantes con una formación avanzada.

Los cursos en los que se trabaja la escena, requieren que los cursillistas lleven aprendido un repertorio pactado previamente para poder trabajar la interpretación. El trabajo en equipo requerido fomenta los vínculos entre los cursillistas y la cooperación. El objetivo principal es trabajar la interpretación y el movimiento escénico por lo que se generan situaciones divertidas que generan complicidad.

Mi opinión es que el cantante debe preguntarse cual es el objetivo de su participación y tras tenerlo claro no buscar únicamente al docente sino también el tipo de curso que imparte.


¿Por qué la música moderna no está en los conservatorios españoles?

Reflexionando acerca del por qué la música moderna no se puede aprender en un conservatorio público de manera oficial y reconocida tal y como sucede con las disciplinas relacionadas con la música clásica se me ocurren varias respuestas.

Es posible que tan solo tenga una visión parcial del tema (debido a que he recibido fundamentalmente formación clásica) pero me vienen a la mente varias preguntas.

¿Qué pasaría con el mundo de la clásica si la música moderna se oficializara?

¿A qué tipo de música optarían los estudiantes tras tener unas nociones básica (Enseñanzas Elementales de Música)? 

Dicho de otra manera, si a un adolescente le dan a elegir entre la guitarra clásica y la moderna

¿por cual se decantará?

Si la música moderna, que es la que se sustenta por si sola, es capaz de mover a grandes masas de gente (y por lo tanto de dinero) ¿Por qué no se oferta si esa formación redundaría en una mayor competencia de nuestros músicos?

Creo que en el fondo no interesa y no entiendo por qué.

Creo que la música clásica tiene un valor intrínseco grande capaz de atraer por si sola a los estudiantes. Creo que muchas personas interesadas en la música moderna se acercarían a las instituciones para recibir una formación adecuada a sus intereses.

Creo que las empresas que mueven la música moderna no están demasiado interesadas en que "sus productos"  sepan demasiado o tengan un buen criterio formado porque exigirian mejores condiciones consicentes de su esfuerzo, su valía y su formación (giras menos intensas, más descanso, etc).

Mi pensamiento es que debe proporcionarse una oferta variada y consistente desde las instituciones educativas que no deje exclusivamente en manos del sector privado la formación de los músicos de  música moderna.

Mi pensamiento apunta a una necesaria apertura y a un pensamiento de que "hay sitio para todos" y pensar que existe muy buena música y muy buenos músicos (y muy malos tambien) en todos los estilos y disciplinas.

Si pensamos en los músicos como una gran familia unida nos irá mucho mejor a todos.

Viva la buena música y las fusiones que siempre enriquecen.

Por Isabel Villagar, profesora de canto

Lecturas recomendadas para el verano

He estado pensado que el verano es largo y se presta a coger un libro y ampliar nuestras miras y nuestros conocimientos.

Os voy a recomedar algunos libros relacionados con la música y el canto que son muy amenos de leer y nos ayudan a comprender este mundo. Al lado os dejo el enlace de Amazon por si quereis comprarlos

Dos novelas sobre las que se han basado las  óperas:
- La dama de las camelias.  Dumas. Verdi adaptó la obra para su Traviata. ENLACE AMAZON

Manon. Abate Prevòst. Massenet y Puccini hicieron su versión  de esta trágica história de amor. ENLACE AMAZON

Dos biografías y unas memorias:
- Cartas de W.A. Mozart. Ed Atajos. La correspondencia del genial compositor sin interpretaciones para que cada cual saque sus propias conclusiones. ENLACE AMAZON

- Giusepe Verdi. La intensa vida de un genio. De Ángeles Caso. Ed. Temas de hoy. Narra la vida de Verdi de una  manera amena. ENLACE AMAZON

-Victoria de los Ángeles. Memorias de viva voz. Jaume Comellas. Edicions 62. Muy entrañable que son convesaciones con Victoria de los Ángeles. ENLACE AMAZON

Tres sobre psicología y pedagogía con recursos prácticos.
Amo hacer música. Gloria Ruiz Ramos. Mandala ediciones. Propone estrategias físicas y psicológicas para afrontar el mundo de la música desde la salud yla  coherencia. ENLACE AMAZON

- Psicología de la música y educación musical. Josefa Lacarcel  Moreno. Antonio Machado Libros. Un libro muy completo sobre psicología de la  música. ENLACE AMAZON

- The inner game of music. Barry Green. Doubleday. Muy interesante enfoque de aprendizaje de estrategias que nos facilitan el estudio y la actuación.


Cuando "No hay dinero" es la excusa fácil

Estos últimos días reflexionaba a cerca de las creencias que se sostienen en tiempos de crisis y que en lugar de sacarnos de ella nos mantienen en sus garras.

Es cierto que los recursos son limitados, siempre lo son, pero muchas veces la limitación de recursos se convierte en una excusa perfecta para los que no quieren hacer algo o que simplemente no quieren gastarse esos recursos en cosas que no tienen un beneficio inmediato.

Este es el caso de la cultura. ¿Cómo se puede cuantificar el beneficio de invertir en cultura?. Sinceramente creo que si no se tiene una visión a largo plazo y las acciones no se sostienen en el tiempo es muy difícil observar la rentabilidad de las acciones culturales. Pero la pregunta aquí es ¿qué clase de país queremos? ¿De qué manera la cultura enriquece a las personas y las convierte en un elemento de riqueza de un país?

Las preguntas que nos deberíamos formular son: ¿En qué aspectos queremos formar a los ciudadanos? Las personas se interesan por lo que conocen y para que conozcan la música, el teatro, el cine, la danza, etc. considero necesario formar a la audiencia con productos culturales de calidad que les aporten experiencias enriquecedoras, que les cambien por dentro y les hagan ver otras realidades.

 La cultura genera riqueza intelectual y material. Si hablamos en términos de riqueza económica la cultura genera el 4% del PIB en España. En cambio, socialmente está poco valorada. La frase "por amor al arte" hace mucho daño al sector porque un músico, un actor, un escritor...  invierten mucho tiempo y energía en su formación como para que después el sector les pida que hagan su trabajo gratis. A nadie se le ocurre pensar que un abogado o un médico vaya a trabajar "por amor al arte".

La realidad es que el mundo de la música mueve a muchos profesionales: músicos, escuelas de música, conservatorios, profesores de música, estudios de grabación, salas de conciertos, agentes musicales, programadores culturales, instituciones oficiales, coros, orquestas, vendedores de instrumentos, editoriales, librerías, luthiers, etc. Muchos de ellos aun están luchando por un reconocimiento social y educativo. Tal es el caso de los luthiers o los afinadores de pianos, actualmente no hay ningún tipo de estudios reglados en España y de los programadores culturales que acceden a esa profesión a través de una especialización.

Obviamente hay hambre en el mundo y gente enferma pero eso no ese no es un argumento válido para dejar de invertir en cultura. La cultura enriquece al ser humano, lo hace mejor y más sensible a la realidad y a las necesidades de otros. Permite el desarrollo de actividades que fomentan la cooperación y la solidaridad y a su vez enriquece a la sociedad. Un país que invierte en cultura invierte en su futuro.

Por lo tanto es una gran excusa, así como una rémora para la economía de un país aceptar las creencias que sostienen que para la cultura no hay dinero. Lo que falta es imaginación, cooperación entre profesionales, nuevas fórmulas de gestión. Lo que falta son ganas de tener una sociedad rica y culta. Personas que piensen por si mismas y aporten lo mejor de si mismas a los demás.

Como ser feliz si eres músico o tienes uno cerca.

Hoy voy a recomendar un libro de Guillermo Dalia "Como se feliz si eres músico o tienes uno cerca" de la  editorial MundiMusica.

Conocí a Guillermo cuando emprendió su investigación sobre el miedo escénico en el ámbito musical. Formé parte del pirmer grupo piloto de músicos de la investigación práctica. Su manera de abordar el tema fue de gran ayuda y aún hoy aplico cosas que aprendí en esas sesiones.

Recientemente ha caido en mis manos el libro que recomiendo a todos los músicos o a las personas que se relacionan con ellos porque está lleno de grandes verdades y de información constructiva y poderosa.

Habla de cómo el contexto va configurando la personalidad del músico, cómo se relaciona con el mundo y por qué se producen determinados comportamientos tóxicos. 

Destaca cinco características que configuran la personalidad de un músico y que pueden condicionar su felicidad: el individualismo (el que va solo se queda solo y el ser humano necesita de la interacción con los demás), la  competitvidad (una mentalidad de escasez en la que prima el "no hay para todos" es la  fuente de relaciones enrarecidas), el pensamiento dicotómico (las cosas o estan bien o mal, no hay gradación), la crítica y la  autocrítica (nunca se es suficientemente bueno y por tanto es una constante fuente de insatisfacción) y el divismo (soy especial y por tanto mejor que otros).  

Habla también de las relaciones alumno-profesor y de las dependencias psicológicas que se establecen, de las relaciones entre compañeros, de las relaciones de pareja entre músicos, las familias que conviven con músicos, la relación que se establece con el instrumento, etc 

Y por supuesto después del análisis ofrece unas sugerencias para no caer en esas actitudes que son fuente de infelicidad e insatisfacción.

Las primeras tienen que ver con la relación con el entorno, como por ejemplo: hacer y aceptar cumplidos sinceros, hacer peticiones, pedir ayuda y colaborar con otros músicos, defender los propios derechos, disculparse o admitir la ignorancia, afrontar las críticas, etc...

Las segundas tienen que ver con la relación con uno mismo: como el control emocional, el análisis de pensamientos irracionales, el autoconocimiento, la autoaceptación, etc...
Os dejo el enlace de la página de Guillermo: http://www.guillermodalia.com/

Si quereis podeis adquirir el libro en Amazon a través de este ENLACE 

La corchea viajera /La corxera viatgera


A una semana del estreno del espectáculo "LA CORXERA VIATGERA",  un espectáculo de iniciación a la lírica para público de educación primaria y para público familiar, quiero agradecer a todas las personas que han colaborado y siguen colaborando con este proyecto su ilusión y su valiosísimo apoyo. Sin ellos no hubiera sido posible.

Los hilos de la creatividad se han ido tejiendo hasta hacer de un cuento que escribí hace algunos años, un proyecto que combina dos de mis grandes pasiones: el canto y la pedagogía. Ahora mismo no se si yo elegí el proyecto o el proyecto me eligió a mi. El resultado es fruto de mucha pasión, ilusión, trabajo, algún quebradero de cabeza pero sobre todo de mucho amor por aquello que hago.

Os invito a visitar el blog con la información del espectáculo, mi página web en la sección de proyectos donde se va actualizando la información y la página de facebook donde estaremos encantados de compartir impresiones.

Facebook de La corchea viajera/ La corxera viatgera
www.lacorcheaviajera.blogspot.com
www.isabelvillagar.com 

Abriendo la caja de pandora

Hay un momento en el aprendizaje musical que se produce una apertura a un lugar desconocido, un lugar lleno de emociones que da una sensación de vértigo inmensa.

A mi me hubiera gustado que alguien me lo hubiera explicado de una manera sencilla porque la primera vez que me sucedió quise salir corriendo, cerrar ese espacio y no querer saber que existía porque da miedo, asusta ver que hay un mundo desconocido de emociones pero lo que más asusta es perder el control.

Yo llamé a ese espacio la caja de pandora, al principio se abría de forma fortuita, ahora se que puedo abrirla y dejar salir aquellas emociones que quiero expresar. Es un control descontrolado, es un dejarse llevar sabiendo que no pasará nada y que hay que transitar ese espacio para poder transmitir lo que uno lleva dentro.

La caja de pandora no se controla, la caja de pandora se aprende a gestionar a través del autoconocimiento y del respeto hacia uno mismo, es un camino que se transita en solitario, aunque se comparta con otros hay que aprender a caminar solo por él y al final uno aprende a confiar en ella y sabe que cuando la necesite estará allí.  

Y para cantar es necesario contar con una caja de pandora lo más llena de experiencias y emociones posible porque estas son las que aportan riqueza y madurez a la interpretación.

El artista emprendedor

En la línea de los últimos posts enfocados a despertar un cambio de mentalidad y avivar el espíritu emprendedor entre los artistas escribo estas líneas.

El arte es una necesidad para el artista, el cantante es cantante porque sino su vida sería una desgracia (hablo por experiencia) y decide enfocarse en su talento trabajando duro porque sabe que ahí está la llave de su felicidad. El arte persigue al artista hasta que se da cuenta de que no le va a dejar en paz.

Una vez uno despierta a esta llamada debe,  desde la responsabilidad que tiene con el talento que le ha sido dado, decidir qué hacer con él, cómo ofrecerlo a la sociedad para que se beneficie de él. Y si, la sociedad se beneficia de los espíritus creativos en cualquiera de sus facetas. El artista muestra nuevas realidades y lleva más allá a las personas y eso es una gran responsabilidad que requiere de un gran esfuerzo, una gran apertura y una gran generosidad.

¿Para qué sirve lo que hago? En el momento en que un artista da con la respuesta a esta pregunta encuentra el modo de llevarlo a la realidad.

En mi caso, cuando canto, se que lo que hago sirve para hacer mejores a las personas a través de la música, emocionando, deleitandose con la belleza del sonido, divirtiéndose, riéndose... y eso es algo importante para mi y por eso pongo todo mi esfuerzo y mi pasión.

¿Cómo lo hago? Pues de muchas maneras, de hecho cuantas más maneras encuentre de poder manifestarlo mejor. En encontrar esas maneras entra en juego el espíritu emprendedor y la creatividad.  

Este espíritu emprendedor y creativo está en muchos de nosotros pero no se estimula la mentalidad emprendedora y mucho menos en el ámbito de la música clásica que ni se potencia ni se enseña. 

Recomiendo al que sienta la llamada emprendedora en su interior que busque los foros adecuados porque no es que uno sea raro, lo que sucede es que no está en el entorno adecuado.

Ser un buen músico no es suficiente.

En cualquier profesión lo esencial es ser un buen profesional, uno tiene que tener una competencia real en aquello que hace como estrategia de vida y por ello el buen profesional nunca deja de aprender, de explorar nuevos caminos y de perfeccionarse internamente para poder ofrecer externamente un talento depurado.

También pienso que lo primero son las personas, uno enseña lo que es así que hay que esforzarse cada mañana para ser la mejor versión de uno mismo y más si la meta de su trabajo es exponerse ante un público. ¡¡En un escenario se ve todo!!

Pero siempre me he preguntado, entre dos profesionales buenos ¿Por qué a uno le va mejor que al otro?

Estas son algunas de mis conclusiones y respuestas a la pregunta:

- No es lo que haces sino aquello que haces con lo que haces. Como artistas tenemos una gran responsabilidad primero frente a nuestro talento y segundo respecto a la manera en que lo ofrecemos. De nada le sirve al mundo nuestro talento si no se lo enseñamos, si no se lo ofrecemos, si no lo compartimos. ¿Por qué privar a las personas de algo bueno y valioso a nivel humano que podemos ofrecer? Hoy en día disponemos de muchos medios para poder ofrecer nuestro talento, creo que cada cual debería preguntarse ¿Qué me frena a mostrar mi talento? cuando uno se responde con sinceridad esa pregunta encuentra las respuestas que le sacan del bloqueo.

- Si tu no crees en ti, nadie lo hará. Es necesario realizar un trabajo personal sobre aquello que se quiere, las preferencias, los gustos, aquello que nos hace vibrar y tras ese trabajo hacer una apuesta personal fuerte y no rendirse. El compromiso con uno mismo es fundamental, es más, uno va encontrando nuevas formas de comprometerse cada día más cuanto más se compromete con su talento.

- Hay oportunidades para todos. Muchos músicos viven instalados en una mentalidad de escasez y competencia y creo que es eso lo que impide su desarrollo real. Yo misma soy soprano, la voz más común entre las mujeres, si pensara que porque hay muchas yo no voy a hacer nada no estaría donde estoy. Es una cuestión de enfoque y de mentalidad, creo que hay para todos, de una manera o de otra.

- 20% aptitud y 80% actitud: El que no se mueve porque dice que todo se mueve por contactos se está excusando. Claro que todo se mueve por contactos y referencias, creo que hay que decirlo alto y claro. ¿Quien dijo lo contrario? Personalmente me gusta trabajar con la gente que no solo es buena sino que me aporta cosas positivas y me cae bien. Todos tendemos a contar con las personas en las que podemos confiar no solo porque son buenos profesionales sino porque sabemos que se comprometen con lo que hacen y solucionarán problemas.  Así que sería más constructivo pensar en cultivar una buena red de contactos y ofrecer aquello que se hace sin complejos y cada vez con mayor valor.

- Nuevas tecnologías: Subirse al tren tecnológico no es una opción es una necesidad. Vienen cambios y de los gordos. A mi se me ponen los pelos de punta cuando veo a los niños de 1 año ponerse el móvil en la oreja sin que suene ni hable nadie. Vienen con el chip puesto y eso va a revolucionar la vida futura, nos guste o no. 

- Reciclarse o morir: los cantantes y los músicos deben ser conscientes de que deben aprender a aprender. Lo que no se sabe tenemos que saber aprenderlo, buscarlo, investigarlo, preguntarlo, leerlo. Estos recursos son esenciales para la vida y hay que ser conscientes de que si no se avanza se retrocede. Recomiendo, de vez en cuando, hacer actividades que no tengan nada que ver con la música, asistir a alguna conferencia sobre temas que nos son ajenos, conocer a personas de otros sectores, nos aportarán otras visiones que enriquecerán la propia.

Taller de técnica vocal para profesores de música y directores de coro.

Hola!

Los días 2 y 3 de abril impartiré un TALLER DE TÉCNICA VOCAL PARA PROFESORES DE MÚSICA  (primaria, secundaria y escuela de música) y DIRECTORES DE CORO en la escuela de música ESMUVI de Vinaroz

El objetivo principal del taller es dotar a los profesores de recursos técnicos, higiene vocal, criterios de selección de repertorio, metodología de trabajo, etc.

Podeis inscribiros on-line hasta el 28 de marzo.

El ritual de actuación.

A actuar se aprende y es importante pensar que el momento de preparación musical se diferencia del momento de la acuación.

Cada vez que uno se sube a un escenario o se expone a un público (también delante de familiares, colegas, etc) se actúa y por ello se ha de trabajar la actividad "actuación" con recursos diferentes con los que se trabaja la actividad "estudio o interpretación".

Se suele decir que para dar el 100% la obra tiene que estar al 150%, pero ¿qué quiere decir exactamente? Personalmente entiendo que uno debe tener interiorizada la obra totalmente, conocerla casi como si la hubiera compuesto uno, saber qué quiere transmitir, dominarla técnicamente pero lo que hace que esté al 150% es que uno sea capaz de gestionar con solvencia la actuación.

Lamentablemente solo se puede ayudar a mejorar la actividad de la actuación pasando por ella. Habrá personas que tengan lapsus de memoria, que se pongan nerviosas sintiendo palpitaciones, que se desconcentren con el ruido de la sala, que les impresione tener público delante, que se autoboicoteen mentalmente pensando que se equivocarán donde siempre fallan, etc... 

Para cada persona se debe plantear un trabajo enfocado a reforzar las fortalezas y a fortalecer las debilidades: mejorar el discurso, aprender a relajarse, visualizar la situación, emplear todos los tipos de memoria, etc.

Yo recomiendo, por un lado, el análisis de lo que sucede en el momento de actuar para poder pautar un trabajo y por otro lado establecer un ritual de actuación

Un ritual es algo que se sigue siempre y que mejora la concentración y el autocontrol para facilitar la gestión del la actuación , pongo varios ejemplos:
                 - Hacer las cosas más despacio, llegar con suficiente tiempo al lugar, hablar poco, mantenerse concentrado en la propia música, evitar convesaciones que generen inseguridad.
                - Comer ligero, mentenerse hidratado, estar tranquilo y concentrado.
                - Practicar la visualización del momento de la actuación, el cerebro no distingue entre lo que se visualiza y la realidad.
               - No perder el contacto con el espacio, caminar despacio por el escenario, tomarse el tiempo que se necesite antes de empezar.
               - Emocionalmente sentir que uno está rodeado por una bola de goer-tex (es el tejido que permite la transpiración pero que evita que se filtre el agua dentro) pero en este caso de amor, es decir, desde nosotros hacia el público se pueden transmitir todas las emociones pero del público hacia nosotros solo puede entrar amor. Esto nos ayudará a evitar las críticas y los juicios mientras actuamos y nos permitirá centrarnos en lo que queremos transmitir.

Poco a poco cada cual diseñará su propio ritual y actuar se convertirá en una actividad que se afronte con emoción y alegría de compartir. Cada actuación aporta algo difente y este hecho hace mágica la actividad del intérprete.

Asociaciones de profesores de canto

La enseñanza del canto es una tarea que cuenta con una serie de profesionales asociados a varias instituciones y que luchan por generar conocimiento y avances en materia de la pedagogía del canto. 

En las siguientes páginas no solo encontrareis información sobre el profesorado sino también información de divulgación interesante.
La asociación europea de profesores de canto: "European voice teachers association"
http://www.evta-online.org/

La asociación española de profesores de canto
http://www.aepc.com.es/

La asociación catalana de profesores de canto.
http://www.acpcant.com/Static/Sobre.aspx

La asociación inglesa de la voz: "British voice association"
http://www.british-voice-association.com/

La asociación inglesa de cantantes y oradores: "The association of english singers and speakers"
http://www.aofess.org.uk/index.php

La asociación americana de profesores de canto: "National Association of Singing Teachers"
http://www.nats.org/

La fundación americana de voz: "The voice fundation"
http://www.voicefoundation.org/


Tocar y Luchar. El video


En la última entrada del blog hablé del fenómeno musical de Venezuela. Aquí adjunto el video para que cada cual saque sus conclusiones.


¿Música para todos?

Me pregunto hacia donde van los tiros en la educación musical en España. Me pregunto si siguen vigentes los valores de los grandes pedagogos de la música del siglo pasado (Kodàly, Dalcroze, Willems) que abogaban por una educación musical para todos. Me pregunto si desde las diferentes esferas se está apostando realmente por una educación musical para todos como vehículo del desarrollo humano.

En los últimos tiempos se está hablando de la labor José Antonio Abreu y la influencia de "El sistema" en la educación musical Venezolana. Es un gran ejemplo de los efectos de la música en las personas pero lo que ahora vemos es fruto de la labor de décadas de trabajo y del resultado de no desanimarse, no ceder ante las dificultades, de creer que hay opciones y sobre todo de pensar que la música hace mejores a las personas.

Me pregunto por qué no obtenemos resultados similares en España, si, en teoría, se disponen de medios, un sistema de educacióm que incluye la formación artística y musical, un sistema de educación musical en conservatorios y escuelas de música... 

Tras reflexionar, no puedo dejar de pensar que en "Nuestro sistema" falta esa pasión, falta fe en el poder transformador de la música, pasión por la educación, pasión por el valor de la música en si y el efecto que provoca en el desarrollo humano...

La música interesa a las personas de diferentes capas sociales, es una manifestación humana, pero siento que nos equivocamos en el enfoque... necesitamos deshechar las viejas fórmulas, salir de los patrones elitistas, salir de "nuestra manera", salir de los esquemas heredados, y atrevernos a explorar nuevos caminos y sobre todo apostar con pasión por una educación musical para todos....

Mi experiencia con las voces infantiles

En este post voy a hacer una reflexión basada en mi experiencia personal y en los resultados obtenidos durante varios años de trabajo con la clase de coro de una escuela que imparte las Enseñanzas Elementales de Música (EEM)

Hace tres años se produjo en el sistema educativo musical  español un cambio en el planteamiento de la clase de coro. Hasta entonces se impartía durante una hora a la semana en 3º y 4º. A partir del 2007 pasó a impartirse una hora a la semana en los cuatro cursos de las EEM. Este hecho supuso para mi un reto profesional debido a que debía hacer un planteamiento didáctico coherente con las caracterísitcas musicales y madurativas de los alumnos que empezaban y que debía tener una continuidad y una coherencia a lo largo de cuatro años.

Basándome en las premisas establecidas por Kodàly en su método de aprendizaje musical, en los materiales elaborados por la Schola Catorum de Algemesí (Valencia) (básados en los pricipios de dicho método), en las recomendaciones realizadas por varias publicaciones relacionadas con el trabajo de las voces infantiles y en la imitación como base de aprendizaje elaboré una propuesta metodológica que ha dado sus frutos a lo largo de estos años.
He podido comprobar que los alumnos tienen una gran capacidad para aprender a través de la imitación y por ello considero fundamental que se trabajen las voces sin apoyarse en el teclado, es el profesor el ejemplo que deben seguir los niños.  Por esta razón el desarrollo de la comptencia vocal del docente debe ser una de las cuestiones a trabajar en la formación del profesorado.

Los niños que comienzan no tienen competencias desarrolladas en la lectura musical por ello el trabajo debe reforzar los contenidos que se imparten en la clase de lenguaje musical pero dese un planteamiento totalmente práctico. Entre los ocho y los doce años, los niños tienen una gran capacidad para aprender canciones de memoria y por ello se debe aprovechar este hecho para aumentar el bagaje musical y la experiencia musical, de manera que poco a poco vayan pudiendo vincular los conceptos musicales a su experiencia musical.

Se ha de ser muy cuidadoso a la hora de trabajar las voces debido a que el patrón musucular que los niños adquieran tendrá un impacto importante en su formación vocal presente y futura. El docente debe permitir el desarrollo natural y por ello empleará un repertorio en el que los alumnos nunca fuercen la voz. Si se va trabajando desde la comodidad (al pricipio es posible que no se canta más allá de una quinta) las voces evolucionán con naturalidad.

En un ensayo o una clase de coro no se puede pretender que los alumnos estén cantando durante una hora por ello se ha de trabajar de una manera dinámica y divertida la relajación, la respiración, la vocalización, la lectura y la entonación y el aprendizaje de las canciones y esto se debe hacer cada día.

Se ha publicado el libro en el que se explica más concretamente esta propuesta metodológica. Se llama "Vivo cantanto: coro en las enseñanzas de música" y lo podéis adquirir en este enlace: Vivo cantando, pincha aquí

Experiencia +20 años, +10 en Clases Online de Canto y Voz*Técnica Vocal*Todos los niveles y estilos

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COACH VOCAL de referencia internacional. Titulada oficial Superior en Pedagogía del Canto con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera por unanimidad. Titulada en Canto, Piano e Ingeniería. Académica de las Artes Escénicas de España. Ha sido Profesora Máster online Pedagogía de la Voz Universidad Europea Miguel de Cervantes-SLKE (2018-2021). Dir. Vocal Center. Full Member National Assoc. Teachers Singing (EE.UU.). Miembro European Voice Teacher Association. Deleg. Asoc. Española de Profesores de Canto. Dir. Asoc. de Músicos Profesionales de España-CV. Experta en Técnica Vocal. Especializada además en voces infantiles y juveniles. Autora de las exitosas publicaciones: Claves de la Voz y el Canto, Guía Práctica para Cantar (núm. 1 ventas Amazon), Guía Práctica para Cantar en un Coro, La Voz sí que Importa, Cómo enseñar a Cantar a Niños y Adolescentes. Asesora vocal y Directora musical TV. Prepara asiduamente a participantes de concursos de televisión. 0034 651315263 "¡Cantad felices!"

de la creatividad al piano

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